DECALOOG: 1999 10 films 20 jaar na het einde van het millennium

Deze levering van DECÁLOGO is gewijd aan nostalgie, en in het bijzonder aan de herdenking van de 20e verjaardag van 'Matrix', 'Magnolia' en 'Eyes strak gesloten'

1999 is het einde van de eeuw, de komst van het nieuwe millennium, angsten en angst domineren de beginnende sociale netwerken en massamedia; de virtuele realiteit van emoties bevestigt de verandering van de eeuw en de waarschijnlijke gevolgen van chaos en transformatie; Een onzekere toekomst, de toekomst en haar waanzin, beweren de wereld te verbreken door haar te verbinden en haar geschiedenis vanaf het einde te herstarten. Het einde van het verhaal, het herschrijven ervan, of de bodem van een bodemloos gat, kwalificeren de laatste maanden van het jaar, hoop is geen constante, vrees een mogelijkheid, wiskunde dreigt te bezwijken aan zijn eigen regels door ontcijferbare, veronderstelde acroniemen in feite Y2K ... Niets van dit gebeurde zoals bepaald op nul uren op de eerste dag van het jaar 2000.

Alles ging langzaam en langzaam, totdat plotseling, na de gebeurtenissen van 2001, niets meer hetzelfde zou zijn in de wereld, niets, zelfs de angsten zouden niet hetzelfde zijn, het bekende zou onbekend zijn en de voorzorg zou richting het onvoorziene zijn ; de bioscoop zag haast, verbijstering, leegte en verlatenheid, de collectieve zelfmoord van wanhoop. Verschillende films gefilmd, uitgebracht of gemaakt in 1999 hadden een breed effect in verschillende genres, Rossetta en Himalaya in internationale cinema , Election, South Park en Office Tangles wekten onverwachte glimlachen op zoals verwacht waren de successen van Unexpected Miracles, The Boys Don't Cry, Innocence onderbroken o De getalenteerde Mr. Ripley en de regels van het leven. Generatietapes zoals American Pie of Sex Games, innovatieve weddenschappen zoals The Blair Witch Project, of conventionele komedies, een plek genaamd Nothing Hill, of een actie zoals The Mummy, verzadigden de definitieve doorgang van bioscopen zoals theaters naar complexen van films van overvloedige projectieschermen zonder tussenliggende, dezelfde box office tapes als dramatisch, net in het middelste proces dat later onafhankelijke tapes van artistieke snit naar speciale kamers met functies van niet-beschikbare schema's of van weinig spectrum zou sturen om te bekijken.

1999 zag de filmpremière van films geregisseerd door toegewijde regisseurs zoals Lives to the Limit van Martin Scorsese , The Informant of Michael Mann , The Legend of the Headless Horseman van Tim Burton of A Simple Story van David Lynch, tegen die tijd door het genre gaan herrezen en gevestigde animatiefilm, zoals Tarzan deed, of het meesterwerk dat in 2000 zijn volledige erkenning zou zien: Beau Travail .

1999, hoewel het de titel is van een iconisch lied van de enorme Prins, was het ook een jaar vol historische en indirecte gebeurtenissen die de verandering van het postmodernisme aankondigden in een ironisch stadium of vol paradoxen, waar verbigracia van twee apparaten, we dichterbij zijn van wie ver is, en verder van wie dichtbij is, waar sociale netwerken elkaar ontmoeten en niet eens zijn, van applicaties, platforms en apparaten die de nieuwe en persoonlijke plaats van entertainment zouden zijn, waar het grote scherm en de bioscoop beginnen te zijn een recreatieve optie bijna uitsluitend voor grote producties of sagen.

Het zou na 1999 zijn dat Harry Potter, The Lord of the Rings en Spiderman, naar de bioscoop zou komen om plaats te maken voor de opstanding van 3D in Avatar 1 decennium later of, na nog een decennium, om de vloed bijna volledig te zien van animatiefilms of superhelden, de deur open laten voor die ruimtes voor tapes die merkwaardig, van het onpersoonlijke, persoonlijker zijn geworden. Ik herinner me nog goed 1999, dat jaar leefde ik de ervaringen verteld in mijn roman El Surco, en begeleidde ik de reflecties met de tapes die DECÁLOGO presenteert, gewijd aan nostalgie, en vooral aan de herdenking van de 20e verjaardag van Matrix, Magnolia en Eyes goed gesloten De volgorde van de tapes waarschuwt dat er zoveel geweldige prestaties, inhoud en productie zijn in 1999, dat slechts 10 krachten worden gedeeld om hun toevlucht te nemen tot gehechtheid. Leuk weetje: de helft van de titels zijn rauwe opera's, en van hen begint de DECALOGUE met een regiedebuutopera en eindigt met een laatste film van een andere, die creativiteit en nieuwe verve oproept, gecombineerd met het laatste stuk vanuit een erfenis heeft de bioscoop van dat jaar bijgedragen aan de canon van universele cinematografie.

10. AMERIKAANSE SCHOONHEID (American Beauty) Dir. Sam Mendes

Winnaar van de Oscar voor beste filmprijs, het controversiële debuut van Sam Mendes werd een kaskraker en criticus, de laatste althans in het begin, want in tegenstelling tot de meeste films waarvan de inhoud opnieuw wordt gewaardeerd, schoonheid American daarentegen vertoonde tekenen van overschatting door veel van de gespecialiseerde inkt; Bovendien was het misschien het perspectief van een tijdperk van uitdagende, complexe en deconstructieve banden, het voorstel van Mendes verscheen zelfs als een conventionele knipoog of in een moralistische comfortruimte, alsof vasthouden aan de verlangens straf kreeg. De waarheid is dat de film een ​​gedurfd script en solide uitvoeringen heeft, waarbij de noodlottige Kevin Spacey een subtiele interpretatie krijgt, en Annete Bening opvalt met het duidelijke ongemak van verveling, lethargie en ongeluk van wat lijkt te zijn gevallen in de ideale monotonie Waar niets ideaal is.

Het script van Alan Ball, vergezeld van de interpretaties van Wes Bentley, Mena Suvari en de ervaren Chris Cooper, beschrijft de wisselvalligheden van de gemeenschappelijke maar disfunctionele Burham-familie, onderzoekt de buurt van de buitenwijken als een arena van medeplichtigheid, onderdrukte verlangens, benadering van het verboden, de zelfcensuur van het uiterlijk, en simulatie als een constante van de menselijke relaties van de ambitieuze middenklasse waarnaar het verwijst. De titel geeft een zoektocht die de betekenis van schoonheid lijkt te hebben gevonden in dat wat verborgen is, waar de kleuren attitudes, verlangens en fantasieën weerspiegelen, terwijl de realiteit wreed is als dat wat zich onderdrukt, en dat goed de muziek weerspiegelt die is gecomponeerd door Thomas Newman . Ik herinner me dat ik de film aan het begin van de herfst van 1999 ging zien, net aan het begin van het semester en met de adrenaline van rond de eeuwwisseling die tegen die tijd verlegen was, de meest schokkende scène, naast de visueel suggestieve en De klassieke volgorde van de badkuip en de rode bloemblaadjes waaraan hij is gekoppeld, was die waarin Lester, gekleed in een werkuniform, Carolyn ontvangt bij de receptie van het fastfoodrestaurant en het spel dienovereenkomstig onthult.

9. DE REUZE VAN IJZER (The Iron Giant) Dir. Brad Bird

Als het avontuur alle dimensies van de verbeelding bewoonde, dan zou de verbeelding een avontuur moeten zijn. Dit is hoe ik de eenvoudige en complexe film The Iron Giant kon definiëren, een prime opera van regisseur Brad Bird, die een bureau deelde met animatielegenden als Tim Burton en John Lasseter, en nuances gaf met Matt Groening aan tientallen hoofdstukken van Los Simpson tijdens verschillende seizoenen. Gekenmerkt door de terugkeer van de animatie naar het sterrenvlak van de bioscoop met het elegante experiment van Who cheated Roger Rabbit (1988) en The Little Mermaid in 1989, zagen de jaren 90 de opkomst van franchises, thematische innovatie en de oprichting van verschillende klassieke verhalen, om te wortelen in het diepste entertainment van alle leeftijden, animatiefilms zoals het was in de decennia van de jaren 40 en 50 met enkelvoudig succes. Disney leidde de inspanningen op basis van het leiderschap van zijn traditie, gekoppeld aan de alliantie die het Californische bedrijf zou sluiten door Pixar te fuseren, een bedrijf dat George Lucas in de jaren 80 oprichtte, en katapulteerde de eerder genoemde John Lasseter met Toy Story in 1995; later zouden andere studies aan het proces toevoegen.

Bird, en zijn ijzeren reus, gebaseerd op het boek geschreven door de Britse dichter Ted Hughes in 1968, verschijnen op het toneel net aan het einde van het millennium, waar visuele effecten, zoals vandaag, streden om de hallen te verbazen met steeds meer gedurfde effecten, situatie die de lijn erg hoog verliet voor een traditionele animator.

De ijzeren reus arriveerde in 1999 in theaters, en toen hij aankwam, nam hij afscheid van de zalen, zonder veel lawaai, zonder veel verwachting, beschouwde hij een financieel fiasco en een weddenschap die zijn investering nauwelijks kon terugverdienen; Critici en filmbezoekers die zichzelf de kans gaven om er met het verstrijken van de tijd van te genieten, hebben de prachtige ervaring die de film op emotioneel en menselijk niveau betekent, besproken. Een animatie gemengd tussen de traditionele techniek en innovatie, een verhaal dat begint buiten de planeet, eromheen en dat gebeurt in een kleine stad; een les van volwassenheid en gevoeligheid van Hogard, de gevoeligheid van de kindertijd, de gretigheid om te genieten en de omgeving te bewonderen, en dat eindigt elke dag wanneer we echt de dromen verlaten die ons de geest voedden toen we klein waren.

Een verhaal dat zich afspeelt in de jaren 50, toen sciencefictionfilms in volle gang waren, buitenaardse invasies, evenals de nucleaire spanning van de Koude Oorlog in gesprekken, verbeelding en veronderstellingen, iets dat niet ver van 1968 was toen het werd geschreven, noch van 1999 toen het einde van een tijdperk angst, onzekerheid en tegelijkertijd de hernieuwde hoop opwekte. Hogarth Hughes, in een knipoog naar de innovator Howard Hughes, is de hoofdrolspeler, nestelend in zijn gedrag, in zijn vreugde, in zijn eenzame en nieuwsgierige jeugd, de verlangens en dromen die een kind bewaart en uitdrukt op de momenten waarop de verbeelding uitnodigt het avontuur, altijd klaar, altijd bereid om te weten, te ontdekken, te verkennen, en in die angsten komt het bezoek van de IJzerreus samen vanuit de ruimte, de waarneming, de ontmoeting en de daaropvolgende interactie, een kritiek op de moderniteit vanuit de postmoderniteit, een blik op de afgelopen 50 jaar, het nieuws van het aanbreken van een nieuw millennium en de toekomst die, als nooit tevoren, om redenen vraagt ​​en de gevoelens negeert, zelfs als ze ze voelen.

De reus kan voelen, luisteren, bewust zijn, en alles van zijn vriendschap met een kind, is in staat om vrede aan te nemen als een boodschap, vrede als een mogelijkheid, als een kans, en in de zoektocht om te zijn wat je wilt zijn, cementvriendschap als een unieke waarde; de schurken zijn geen robots of ruimtewezens, ze bewonen onder ons, obsessie, vooroordelen, angst voor wat we niet begrijpen, de tweedeling van de wetenschap, de dualiteit van uitvindingen; de tape waarschuwt dat de helden degenen zijn die durven te zijn wie ze willen, weg van trots, de boodschap omarmt de zoektocht naar dromen van de zoektocht naar het goede, en dat gebaar verplaatst het weg van het zelf, naar het 'ik' van de superheld, ontmoeten in de "wij". Brad Bird zou monumentale critici en box office successen hebben, The Incredibles (2004) en Ratatouille (2007), tapes die hem twee Oscar Awards voor Beste Animatiefilm zouden geven, en vervolgens film Mission Impossible: Phantom Protocol, zijn eerste en enige datum van voltooiing niet geanimeerd, voor velen, de beste levering van de saga. Verbeelding bewoont het avontuur van de echte hoofdrolspelers, de meisjes en jongens die ons in staat stellen om de grenzen van verwondering te blijven bewonen, het avontuur van zijn wie je wilt zijn.

8. WIL JE JOHN MALKOVICH ZIJN? (John Malkovich zijnde) Dir. Spike Jonze

Innovatief, dynamisch, complex, fris, gewaagd, wil je John Malkovich zijn? Het barstte als een brul in 1999, Spike Jonze's debuutopera, verbaasde degenen die geen film verwachtten waarvan het hoofdpersonage de geest van de hoofdpersoon was zonder het te zijn, waar de acteurs leven gaven aan de hoofdpersoon. Een poppenspeler weet naast informele nieuwsgierigheid de weg te vinden naar de gang die, verrassend genoeg, leidt naar de geest van de acteur en het personage: John Malkovich. Als de acteur op dit moment wordt erkend als een van de meest uiteenlopende acteurs in Hollywood, was hij al in 1999 en sloot hij twee decennia van verschillende films af, waaronder The Fields of Death and Dangerous Relationships, The Protective Sky of In the line of vuur, maar een tape maken over het ontdekken, ontrafelen, de geest van een acteur verkennen, kon alleen afkomstig zijn van een andere grote geest, Charlie Kaufman.

Het script van Kaufman schudde de industrie met grote belangstelling en de film werd goed ontvangen door critici die overstroomden in het benadrukken van het fictieve spel van het binnenkomen van een beroemdheid, een soort mentaal voyeurisme, en presenteert het van een John Cusack prachtig, incarnerend een verlegen man die in deze omstandigheid zijn tegendeel ziet weerspiegelen, net als zijn vrouw, in de maalstroom van een angst die introvert is, het pad opent van een alternatieve realiteit. De geest van iemand anders bewonen, de diverse persoonlijkheden die zich in ons bevinden door de innerlijkheid van de ander, een oordeel over andersheid en spiegel die de regisseur met meesterschap hanteert, remmen.

Spike Jonze vertrok onmiddellijk in de rijen van de ontluikende regisseurs van het nieuwe millennium, het was een gunstig jaar om te ervaren vanuit het minst denkbare, de geest van de toeschouwer vanuit de geest van een acteur door de ogen van anderen en andere acteurs, een synergie van voortdurende interpretatie die opviel in de uitvoeringen van Cameron Díaz en Catherine Keener, die door een tunnel gaan die hetzelfde verbaast dat uit de meest afgelegen ruimtes van de geest onthult dat we meer op elkaar lijken dan we denken aan John Malkovich.

7. ALLES OVER MIJN MOEDER Dir. Pedro Almodóvar

Het decennium van de jaren 80 had voor Pedro Almodóvar een fase van buitengewoon succes betekend, vooral vanwege het enorme populaire en kritische succes dat hij met Mujeres bereikte aan de vooravond van een zenuwinzinking, maar het was aan het einde van de jaren 90 dat De critici zouden zich zeker overgeven aan hun talent, behalve dat ze hun verhalende verdiensten zouden erkennen. Alles over mijn moeder vulde de Latijns-Amerikaanse cinema sterk.

De complexiteit van het thema, de convexe hoeken van onthullingen gepresenteerd door zijn dialogen en krachtige, gevoelige en suggestieve acties, maakten de plot tot een gewaagde, gevoelde en diepgaande manier om het verlies, de beslissing en de transformatie van het bestaan ​​vóór het leven aan te pakken, kans en omstandigheid. Het verlies van een zoon voor de hoofdrolspeler, en de ontmoeting met zichzelf voor een ander personage, laat het heden schuilend, veeleisend, smekend het verleden, een moeder op zoek naar de vader van een verloren zoon, een vader die niet meer bestaat, hoewel levend, omdat hij in iemand anders is veranderd, is hij erin geslaagd om haar te zijn en in die volheid, de identiteit en de zoektocht naar een eigen plek sinds het verlies, geeft het lint van de regisseur van Manchego een glimp van wat er van ons in de verliezen overblijft, in de transplantaties die de dood geven leven geven en moederschap als het centrale concept van de tape.

Cecilia Roth, Marisa Paredes en Penelope Cruz bieden uitvoeringen vol kracht, energie en karakter in een film waarin haar regisseur verschillende onderwerpen verkent, zoals homoseksualiteit, transseksualiteit, geloof, existentialisme, de rol van vrouwen, moederschap begrepen vanuit een machoconcept, de bevrijding van vrouwen en mannen dienovereenkomstig, fataliteit en verlossing van kunst. Het acteren als zodanig wordt benaderd door een actrice die lijdt, moe en overweldigd is, dezelfde die levert, biedt en uitvoert in de rollen die ze speelt vanuit eenzaamheid.

6. DE ZESDE ZIN (De Zesde Zintuig) Dir. M. Night Shyamalan

De jaren 90 werden gekenmerkt door films waarvan de verrassende eindes de veranderingen van de noot of het verhaal tot een literaire wending maakten die het publiek hilarische en zeer emotionele ervaringen gaf, The Seven Deadly Sins, The Fight Club, The Root of Fear, Common suspects, Dreams of escape, zijn enkele van de films waarvan de slotact een echte storm van onverwachte emoties en gedwongen debatten was. Het zesde zintuig zou zich bij deze lijst voegen maar zou dit doen vanuit de spanning, die niet terroriseerde; van het drama, dat geen tragedie; van de verwachting, niet van de vastberadenheid.

De personages zijn betrokken bij een dynamiek die de dood onderzoekt als een aanwezigheid, getuigenis als een missief en telekinese als een interdimensionale mogelijkheid van het eigen leven. Een kind, Haley Joel Osment, confronteert zijn arts dat het in de psychologie de moeite waard is om de parasycologische en spirituele in dezelfde zoektocht te vinden, door te bekennen dat hij in staat is om dode mensen te zien en nog meer, om hen op een of andere manier te contacteren; Bruce Willis, de arts, met een stormachtig verleden tegenover zijn patiënten in de tragedie, luistert naar de vermeende patiënt en verzorgt deze terwijl hij stilletjes kijkt naar het wanhopige gedrag van de moeder, Toni Collette, voor het vinden van een verklaring voor wat er gebeurt. Een verhaal van verlossing of een manifest naar het leven, vanuit de zintuigen, of vanuit dat zesde zintuig dat verder gaat dan wat de levenden kunnen voelen, positioneert de opera prima van M. Night Shyamalan als een van de beste films van spanning van het verhaal, dat hoewel het in het cliché is gevallen en de publieke grijns vanwege zijn populariteit, het een eerste contactfilmprestatie blijft die ernaar verlangt om de tweede onmiddellijk te zien, hoe het mogelijk was om de plot zo samen te stellen dat de publiek merkt het einde niet totdat het zich manifesteert.

De integratie van een suggestief verhaal dat niet onthult, dat verbergt maar toont, wekt de reacties van de kijker op als een verwacht axioma, maar wacht op verklaringen voor een negatieve reactie, de complexiteit van het samenstellen van de plot als reacties zonder zekerheid te onthullen, maakt het zesde zintuig een overvloed aan antwoorden uit hetzelfde mysterie, een formule die de regisseur probeerde te herhalen met ongelijk succes in verschillende films, en die ook werd geïmiteerd in enkele andere realisaties. De creatieve vorm van Shyamalan motiveerde ongetwijfeld het ontwerp van een vorm van subtiele productie, hoe de realisatie van een film met een verrassend einde te bereiken, die een tweede blik veroorzaakt en dat bij de derde de impact van het eerste gezicht in bijna haar lijkt te verliezen totaliteit, dat wil zeggen, het is een verrassende tape die bij het eerste contact op het eerste gezicht de voorafgaande verhoging van alle zintuigen vóór de zesde opwekt.

5. DE Fight Cub CLUB Dir. David Fincher

The Fight Club, gebaseerd op de postmoderne roman, symbool van de X-generatie en geschreven door Chuck Palahniuk, is een van de meest oogverblindende en heldere films in zijn eigen verwarring, uit het laatste jaar van de jaren 90. Op een bepaalde manier ontvangen warm door kritiek en kassa in het begin, beetje bij beetje kreeg het respect, erkenning en een groot aantal volgers die het positioneren als een film voorbij de cultus, generaties, definitief van het einde van de eeuw.

Geleid door David Fincher, onderzoekt de vechtclub verschillende thema's op basis van de zoektocht naar een eigen plek, om een ​​existentiële reden, en naar de identiteit die betrokken is bij geweld, opluchting, schizofrenie of de stress van het dagelijks leven. De verhalende dimensie ontwikkelt de dubbele persoonlijkheid of multi-persoonlijkheid verankerd in wat we zijn, wat we niet willen zijn en wat we willen blijven in het midden, met een verteller die bezwijkt voor de realiteit terwijl hij zich ervan verwijdert om zich te concentreren op De geest die hem uitspreekt. De vechtclub is een constante zoektocht, een wanhopige roep, het gevoel van manifest horen bij niets horen. De eerste regel van een Mayhem-project is om niet te praten over het Mayhem-project, en in die zin die verwijst naar de geheimhouding van een verlangen, ondersteunt het script het conflict tussen lid worden van iets of iemand, zelfs voor onszelf.

Tyler Durden werd een referentie, een embleemkarakter dat aanvankelijk een gezicht heeft en dat naarmate de film vordert, een ander onthult om te beseffen dat het noch het een noch het ander is, maar alles; op die manier is de club een ontmoetingsplaats voor de verloren, ongelukkige of wezens op zoek, en het gevecht is niets meer dan een betekenaar van de houding en geweld, de mogelijkheid om een ​​ruimte te vinden waar er geen kans is op gevonden. Edward Norton, Brad Pitt, Jared Leto en Helena Bonham Carter, integreren een logische cast die nestelt in de groene en bruine, zwarte en grijze kleuren van een verlaten gebouw van oker vocht, waar hij samenzweert, bekent, definieert zonder meer woorden dan vuisten en de energie voor de samenleving die van hen uitgaat.

4. NIET EEN MINDER (niemand minder) Dir Zhang Yimou

Zhang Yimou, meester van universele cinematografie, presenteert in Noch één minder een intieme, gevoelige en realistische film die kunst overstijgt om universeel te worden van de mensheid van haar geschiedenis. Gelegen in een landelijke omgeving van marginalisatie en veerkracht, presenteert niemand minder een verhaal dat de ontwikkeling van avant-garde en technologisch China contrasteert, met landelijk China voor landbouwconsumptie en scholen die aan zelfvoorziening lijden. Een school zonder leraar, een leraar die afwezig is in het familiedrama, een vervangende leraar die niet meer dan de jaren van de puberteit heeft, om niet alleen de verantwoordelijkheid van het onderwijs onder te dompelen, maar die van het ouderschap dat moet worden toegepast om te voorkomen dat dat geen enkel kind het klaslokaal verlaat op voorgevoel dat hij, als hij dat niet deed, zijn betaling niet kon innen, maar de geschiedenis overstijgt het salaris voor empathie. Het streven naar wat de school betekent, overstijgt wat onderwijs zelf betekent; op het moment dat een van de kinderen door omstandigheden en context verlaat en ze ervan uitgaat voor hem naar de stad te gaan, zullen de risico's en de wisselvalligheden van de reis er niet toe doen.

Het is de verantwoordelijkheid, het engagement, om het terug te geven, en in die vasthoudendheid gebruikt Yimou zijn verhalende en visuele middelen om een ​​film van volledig neo-realisme te maken. Als een documentaire, in een mix van fictie en realiteit, presenteert de beroemde regisseur alternatieve realiteiten, parallel aan de dualiteit van economische ontwikkeling waarbij hij betrokken is, een anders emotionele film, die ongelooflijk werd verbannen uit het Filmfestival van Cannes, en dat win duidelijk de Gouden Leeuw van het Filmfestival van Venetië. De verhalende dichotomie van Yimou is een overblijfsel dat de tape katapulteert als een van de referenten van het nieuwe realisme van de Aziatische cinema, en een van de meest innemende films van het decennium.

3. MAGNOLIA (Magnolia) Dirigent Paul Thomas Anderson

Paul Thomas Anderson verdicht de val van postmoderniteit en zijn zoektocht naar identiteiten in een stuk pijn, spijt, leegte en wanhoop; elk van de karakters verbonden met toeval of met ongeluk draagt ​​in hun lijnen, en vooral in hun uitdrukkingen, de som van alle angsten en zorgen die overeenkomen met gebrek aan liefde, gehechtheid en motieven. De zoektocht naar een staat van geluk die niet lijkt te bestaan, berusting, lucide dromen of maskers die de geheime bedoelingen bedekken, kenmerken de muzikale noten van een gedeeld lied, van een soort lach, van een gebroken verzoek, van een mislukte poging en van goede daden zonder doel of betekenis . American Beauty werd bedacht als de Oscar-winnende film voor Beste Film, maar een film die in december 1999 werd uitgebracht, zou niet in de geschiedenis worden herinnerd als een permanente waarschuwing van een samenleving die op het verkeerde moment naar zijn ruimte blijft zoeken: magnolia. Magnolia is een prachtige pagina in de geschiedenis van de hedendaagse cinema, mooi hoewel het pijn doet, mooi hoewel eng, mooi hoewel het op zichzelf betreurenswaardig of onaantrekkelijk lijkt.

De overvloed aan geweldige uitvoeringen laat zijn sporen achter alsof het papier dat doek is waar de getijden passen, de trillingen en de regenboog aan het einde van de storm. Julianne Moore, John C. Reilly, Philip Seymour Hoffman, William H. Macy, Felicity Huffman en Jason Robards - in zijn laatste rol - begeleiden onder andere de krachtige, cynische, gevoelige en misschien wel de beste prestatie in de carrière van Cruise, om maak Magnolia een van de beste films van het decennium, een individuele en collectieve reflectie op de paradox, gevoelens, gehechtheden, de bevestiging van een geweldige regisseur en de komst van een regen geïmpregneerd met de leger postmoderne aroma's. Tom Cruise won zijn derde Golden Globe en derde Oscar Award-nominatie voor Beste Mannelijke Bijrol, voor de rol van Frank TJ Mackey, een personage dat een cult is geworden voor degenen die de bioscoop van analyseren, bestuderen en herkennen Thomas Anderson

Magnolia trekt realistische, rauwe en verontrustende momenten, net zoals het surrealistische intervallen hangt gekleed in existentialisme, onrust en onzekerheid; Oorzakelijk verband en toeval overweldigen en bevrijden, bestraffen en verlossen de kleine dingen van het leven zoals een pijnlijke caleidoscoop van adem en adem. Het officiële lied van de film, "Salvame", portretteert in zijn tekst met grote precisie, die vage broederschap van kans en context, de dringende oproep van de personages om zichzelf te redden en in angst geen redding in zichzelf te vinden, van daar roept de aaneenschakeling van verhalen een cirkel op van transversale unies die concentrische punten voor pijn vinden, en verspreide punten voor verlatenheid. De film is een verhalend voorbeeld van de postmoderniteit die het bewoont, en van het nieuwe millennium dat de emotionele banden door virtuele banden zal uitdagen.

2. MATRIX (Matrix) Dir. Wachowski Brothers

Het bewonen van een aan ons gegeven realiteit en het als vanzelfsprekend beschouwen, maakt deel uit van het overleven van het leven, maar het uitdagen van dogma's, eraan twijfelen, de oorsprong ervan ontdekken en de mogelijkheid ontdekken van een alternatieve realiteit die ons omringt, nodigt de kijker uit om in te voegen in die ruimte-tijd die energie, statische en dynamische beweging kan manipuleren. De zomer van 1999 zag uit naar de terugkeer van Star Wars in Episode I, om het begin van Darth Vader te onthullen via Anakin Skywalker, schurk en held bij uitstek van de blockbusters, het sterrenkarakter van de hedendaagse cinema en dat dit jaar viert vier decennia van het definiëren van hoe de mythologie en haar klassieke mythen in de cinema te presenteren, een vitaal proces dat betekenis geeft aan het verhaal. De zomer van dat jaar was echter onder andere ook het vreselijke falen van Wild, Wild West met Will Smith, en de controversiële zomerpremière, de controversiële slotfilm van Stanley Kubrick, Eyes strak gesloten, met Nicole Kidman en Tom Cruise .

Terwijl Aflevering I de kassa verzadigde doordrenkt met aviditeit en nostalgie, en Eyes goed gesloten lokte het publiek uit de psychologische thriller, Matrix, van de gebroeders Wachowski, gaf de zomer de verbazing van de visuele effecten en entertainment van de zomer, een Permanente zomer die een visueel icoon van het einde van de eeuw is geworden. Neo, gespeeld door Keanu Reeves, is de weerspiegeling van postmoderniteit, waarbij de mogelijkheden van de structuur en functionaliteit van de systemen bezwijken voor nieuwe overtuigingen. Matrix vervolgt en onthult religies, politieke systemen en de genegenheden die worden gegeven door ontslag of gewoonte, om de 'uitverkorenen' tot een emancipatorisch alternatief van de realiteit te maken. Neo probeert zijn eigen dagelijkse leven te bevrijden en te transformeren in de vaardigheid die zijn omgeving beheert en van formaat verandert, waarbij voor de gebroeders Wachowski de boodschap zelf een uitdaging is.

De effecten die in Matrix werden gebruikt, hoewel ze latere choreografieën inspireerden en een onuitwisbaar stempel op de technologie ten dienste van de bioscoop lieten, hadden een impact die even resonerend was als de hoofdrolspelers; het is geen toeval dat hij voor de John Wick-sage, Fishburne, Reeves op het podium begeleidde, en dat de choreografieën opnieuw de wind trotseren. Het is grappig, Wick is verbannen van de realiteit en lijkt gekozen te zijn, Neo is een gekozen die de realiteit tart. De toekomst zou laten zien dat de regisseurs in hun eigen ervaring het leven tot een uitdaging zouden maken voor wat werd gegeven door naar verlangen te bewegen, in een duidelijke boodschap van existentialistische emancipatie. Tegen het einde van dat jaar en toen de eeuw eindigde met het begin van het nieuwe millennium, maakten verschillende films deuk in het familiale, religieuze en spirituele ' establishment'. Amerikaanse schoonheid, het zesde zintuig van M. Shyamalan of Magnolia van Paul Thomas Anderson, zal knipogen koralen van onthullende verstoring veroorzaken, dezelfde gevangen sensaties die in de zomer van 1999 samenkwamen in Matrix .

1. OGEN GOED GESLOTEN (Eyes Wide Shut) Dir. Stanley Kubrick

Artistiek grafschrift in het werk van een provocateur van verlangens, een verontrustende verkenning van het ontwaakte libido, dat de regisseur sinds de prachtige Lolita (1962), buitengewone literaire bewerking van Nabokov niet had onderzocht. De huwelijkse relatie die liefde omzet in gewoonte, de smaak in gedelegeerd verlangen, de wil van monogamie in fantasie die wordt onderdrukt en vervolgens tot uitdrukking komt in de games van de geest, maken plaats voor een film die het meest deukte Kubrick's trouwe critici en op zijn beurt opende een artistiek debat in zijn volgers. Pas aan het einde van de eeuw en aan de vooravond van het nieuwe millennium, wordt Eyes goed gesloten gepresenteerd als een dubbele morele kijk op de aristocratie in het licht van ontrouw, ethiek en met meer moed, als een overzicht van taboe-kwesties van de postmoderne samenleving, mensenhandel en prostitutie als een probleem van de stad, tot het bedekken van misbruik door de politie, en vanuit die sociale vraagstelling komt het in de blauwachtige nachtmerries van een huwelijk dat de crisis van verleiding en vertrouwen ervaart die vergelijkbaar zijn met de behoefte aan bekentenis .

Tom Cruise en Nicole Kidman nemen hun levensechte relatie met de fictie aangepast uit de roman Traumnovelle, geschreven in 1926 door Arthur Schnitzler door de personages William en Alice Harford. En als een uitvloeisel van een realiteit die wordt verward met fantasie, leidde meer dan 2 jaar filmen en andere contextuele omstandigheden het paar om te scheiden en Kubrick om zijn nieuwste film te leveren, ook met regisseurs Todd Field en Sidney Pollack postuum. Op een nacht door de stad en haar buitenwijken, een reis door de straten en haar schaduwen, door de stad en haar kostuums, wordt de dubieuze dualiteit geconfronteerd van een kwaadaardige openbaring die Alice aan William doet en die de passages genereert van een visuele orgie gemotiveerd door de identiteit achter het masker en de concupiscent seksualiteit van het verlangen wanneer het wordt uitgedrukt. De titel lijkt de kijker te waarschuwen voor de ironie, de ogen zullen meer openstaan ​​voor de veronderstelling van de "zou hebben" die voortkomen uit het verboden. Een satirisch kerstlint uitgebracht in de zomer van 1999, dat door de jaren heen is geherwaardeerd en als cult wordt beschouwd. Kubrick stierf vóór de première, misschien had de opluchting van het schandaal hem enkele jaren gekost totdat critici Cruise's huivering zoals Dr. Harford deelden over de mysterieuze wachtwoorden van de nacht en hun rituelen.

20 jaar later, de verkenning van de innerlijkheid van Dr. Hardford, de wanhopige stilte van Alice voor wedergeboorte van verlangen uit het verlangen gegoten in de nachtmerrie van slaap, of de broederschap van maskers die identiteiten verbergen om anderen te verwerven in de dans van wat verboden en in het licht van het occulte, blijven ze allerlei interpretaties en opinie-oordelen ontrafelen, die de tape opnieuw hebben bekeken om het als een van de meest complexe, psychologisch gezien, van de beroemde regisseur te plaatsen. Het zal zijn dat het postmodernisme weggaat om plaats te bieden aan een stadium van urgente gebeurtenissen op persoonlijk en sociaal niveau, in de verbinding van het gemedieerde, het vluchtige van het dringende.

De waarheid is dat Kubrick's laatste film de tijd heeft weerstaan ​​en meer kracht heeft gewonnen dan het had in controverse 2 decennia geleden, waardoor niet alleen als het laatste overblijfsel of filmische testament van zijn regisseur, maar als een film die durfde te onderzoeken de kwellingen van zelfcensuur, van onderdrukte verlangens of de verveling van liefde die andere randen zoekt om zichzelf te vernieuwen, vanuit de uitsparingen van de geest en zijn kwellingen, gegoten in de dubbele normen van de geheime intenties van het einde van een millennium dat werd waargenomen in andere. 1999, 2 decennia vanaf het begin en einde van een eeuw, en voor ons vandaag, aan het begin van een nieuw decennium.

Omslagafbeelding: Eyes Wide Shut, Stanley Kubrick (1999)

* Schrijver en documentairemaker. Beschouwd als een van de toonaangevende exponenten van de Spaanse Amerikaanse getuigenisliteratuur. Hij is de auteur van de romans El Surco, El Ítamo en de gedichten Navigate Without Oars en Cardinal Points, die betrekking hebben op universele migratie en zijn bestudeerd in verschillende universiteiten wereldwijd . Hij regisseerde de documentaires The Human Voice and Rest Day . Hij is hoofdredacteur van Filmakersmovie.com.