DECALOOG: Quentin Tarantino (9 films en een fabel van deze geweldige regisseur)

Er waren eens 9 films en een fabel

Er was eens in Hollywood, de negende film in de filmcanon van Quentin Tarantino met goede recensies en het applaus van het publiek, dat de setting erkende als de beste bijdrage van de film, een portret van de late jaren 60, gevestigd in de zomer van 1969, jaar herinnerd voor de moord op het model Sharon Tate, paar van de toen controversiële maar enigmatische regisseur Roman Polanski, in de handen van een sekte geïnspireerd door de toespraken en dogma's van Charles Manson. Naast het productieontwerp hielden het publiek en critici die elkaar op het filmfestival van Cannes ontmoetten, een keer in Hollywood de uitvoeringen van onder andere Leonardo DiCaprio, Brad Pitt, Margot Robbie en Al Pacino.

De première van de film valt samen met het 25-jarig jubileum van de realisatie van Violent Times, de innovatieve, oneerbiedige, eclectische, postmoderne en fascinerende film van ook de scenarist Tarantino, die de carrière van de regisseur consolideerde en een nieuw verhalend perspectief op cinematografie opende van de jaren 90, waarin verschillende banden werden losgelaten tussen misdaad, kruispunten, medeplichtigheid, romantiek en geweld, die herboren uit de bioscoop noir . De gemeenschappelijke verdachten, geregisseerd door Brian Singer en geschreven door Christopher McQuarrie, of Curtis Hansons naakt Los Angeles, waren enkele van de buitengewone banden die het succes voortzetten dat is voortgebracht door Abel Ferrara's gerechtelijke corruptie, Michael Mann's vuur tegen vuur en het stuk Reserve hondenleraar, die Tarantino zelf terecht had getekend als zijn eerste opera.

Sinds de opkomst in de filmindustrie vestigde de bioscoop van Tarantino de aandacht op zijn verhalende voorstel op scriptniveau en zijn visuele choreografie die het verhaal samenvoegde met sequenties vol muziek, energie, spanning, humor en ja, ook geweld; Daarom was de goedkeuring van de criticus aanzienlijk en op publieksniveau veranderden ze de regisseur, film voor film, in een box office-magneet en een inherente aantrekkingskracht op filmfestivals, evenals een icoon van aanbidding en studie in filmstudio-programma's. .

DECÁLOGO wijdt deze levering aan ter herdenking van het 25-jarig jubileum van de première van Violent Times, de fundamentele film die de carrière van John Travolta opnieuw zal lanceren, en tegelijkertijd bijdraagt ​​aan de verwachting van Once upon a time in Hollywood, het herzien van de negen films van de regisseur geboren in Knoxville, die de stap maakte van onafhankelijke cinema naar de bioscoop van studies en werd opgericht op zijn eigen verdiensten, gebaseerd op verschillende regisseurs en ter ere van mythische klassieke films, als een record in universele cinematografie.

Ik herinner me dat ik gewelddadige tijden in de bioscoop zag, en hoewel er geen beperking was of ik het tenminste niet had om het te zien, moet ik toegeven dat het de neiging was om anderen de voorkeur te geven aan andere soorten regisseurs. Bekritiseerd door sommigen, geprezen door anderen, ontketent Tarantino passies die ook zijn vermogen zullen wegen om zijn scripts op een niet-lineaire manier samen te voegen, wat het misbruik van bloed of geweld als een middel van morbiditeit en aantrekking ontkent. De waarheid is dat de cinema van Tarantino visueel en structureel het debat oproept en opwekt dat de lijn van verleiding doordringt van verdriet; voor sommigen overschat, voor anderen weinig erkend, is zijn werk een oorzaak van verwachting geworden voor regisseur en publiek, en in zijn stap de uitdaging in uitdaging. De volgorde van de banden is, net als in de meeste van de decalogen, van belang voor de gehechtheid, smaak of persoonlijke invloed op het werk van de canon van het agnostische regisseurlid van de Academie voor Cinematografische Kunsten en Wetenschappen.

10. VERJAARDAG VAN MIJN BESTE VRIEND (Verjaardag van mijn beste vriend) 1987

De titel van deze decaloog dient negen banden en een fabel, en hoewel de fabel zou kunnen verwijzen naar de titel van de nieuwste film van de filmmaker, benadrukt hij een gedeeltelijk verloren film. Gefilmd in zwart-wit en met een initiële duur van 70 minuten, leed de film aan het verbranden van veel van zijn negatieven in een brand, en wordt beschouwd als in zijn concept van verloren speelfilm; ongeveer 30 minuten ervan overleefde en is bewerkt als een overblijfsel van de bekroonde oefening van die eerste filmregisseur. In de assemblage vinden we verhalende elementen van de filmmaker, zoals afgeleide dialogen en hoekige camerabewegingen die de bewegende reeks naast elkaar plaatsen, evenals de prestaties die niet ver verwijderd zijn van die we in latere banden zullen zien. Bijna 4 jaar lang gefilmd op 16 mm, waarin de regisseur werkte in Video Archives, winkel te huur en verzameling films in Californië, gaat over vriendschap en de zoektocht naar een gelukkige staat zonder die te vinden.

De film heeft nuances van aanbidding verworven, niet alleen vanwege de betekenis die het de eerste benadering van de regisseur is, maar ook omdat het de romantische trend en filmische invloed bevestigt van de filmwinkels uit de jaren 80, die laboratoria van ideeën en projecten waren, zoals Het zal later Michel Gondry Rewind weerspiegelen.

9. DJANGO ZONDER KETTINGEN (Django Unchained) 2012

Hoewel Tarantino uit de setting van zijn films verschillende tijdperken had opgeroepen, bijvoorbeeld Jackie Brown met een nuance van de jaren '70, en de realisatie van Bastards zonder glorie in de Tweede Wereldoorlog, is het niet totdat Django zonder ketens een tijdperk dat op filmniveau grote impact had op de jonge Tarantino, het wilde westen. De regisseur heeft zelf de invloed benadrukt die de tape Het goede, het slechte en het lelijke heeft gehad in zijn werk, en het is niet verwonderlijk dat de leraar Ennio Morricone enkele thema's in deze film en later heeft opgenomen, ondanks zijn meningsverschillen, heeft volledig de originele muziek van het project van de volgende regisseur gecomponeerd.

In Django zonder kettingen zien we de invloed die Japanse tapes in het midden van de negentiende eeuw hebben gehad en de films van het wilde westen die worden getroond door Amerikaanse regisseurs zoals Sam Peckinpah en aan de andere kant de groep filmmakers waarin de grote Sergio Leone opvalt, en dat maakte westerse spaghetti een genre op zich. Tarantino definieert de ontwikkeling van zijn complot in de burgeroorlog, evenals in de expedities, complexe, diepe en pijnlijke contexten van slavernij, discriminatie en toe-eigening van het land.

Leonardo DiCaprio, Jamie Foxx, Samuel L. Jackson en Christoph Waltz leiden de cast van deze film die tussen verlossing, emancipatie, accountaanpassing en sociale kritiek op mensenhandel een reis van overeenkomsten, loyale verbonden ontwikkelt, oneerlijke afspraken en een liefdesverhaal, gegoten in de visueel gewelddadige stijl van de regisseur, die prachtige landschappen en koperachtige horizonten biedt die een atmosfeer van aarde en bloed bieden die wordt benadrukt in de foto van Robert Richardson. Django zonder ketens heeft Tarantino de Oscar Award voor Beste Originele Scenario toegekend, evenals Christoph Waltz zijn tweede erkenning als Beste Mannelijke Bijrol, waarbij hij de overwinning in dezelfde categorie en in opdracht van dezelfde regisseur herhaalde.

Verschillende elementen vallen op de tape. Aan de ene kant is het de eerste Tarantino-film waarvan de montage niet de leiding had over Sally Menke, die 2 jaar eerder stierf, en aan de andere kant, volgens de regisseur, stond hij hem toe om de kwestie van de slaaf van zijn land aan te pakken zonder zich te verdiepen in sociaal aspect van de verschillende thema's, maar proberen deuk te maken in de cinematografische realisatie.

8. DE 8 MEEST VERHAALDE (The Hateful Eight) 2015

Zijn positie in de decaloog komt meer tegemoet aan de smaak voor numerologie, hoewel het goed de vorige positie zou kunnen innemen. Dit openhartige eerbetoon aan de bioscoop van Akira Kurosawa, evenals de spaghettiwesterns van Sergio Leone, werd ietwat warm onthaald door critici en publiek, en wordt momenteel herinnerd voor het eindelijk toekennen van de Oscar Award voor de beste score Origineel in competitie met Ennio Morricone en vooral, omdat het is gefilmd in Panavision 65 mm en later is overgebracht naar de glorieuze 70 mm die de publiciteit van de band leest, die onder andere de glorieuze formaten zoals de Cinemascope van de jaren 50 herinnerde, die Ze blonken zelfs uit door hun technologische innovatie in de theatertent, die vanaf het begin een romantische belofte bood voor de première. Samuel L. Jackson, Kurt Rusell, Jennifer Jason Leigh, Tim Roth, Michael Madsen, Demian Bichir, Walton Goggins en Bruce Dern integreren de cast van deze film die, in 2013 zijn script gefilterd, het licht niet leek te zien totdat Tarantino besloot Tot slot, om het niet als een roman maar als een film te maken

Voor deze film werd hij geïnspireerd door de enorme televisieserie van de jaren 60, zoals Bonanza, en het thema van wraakzuchtige wraak die het argument van The Seven Samurai van de bovengenoemde Kurosawa, zijn bewerking The Magnificent Seven of John Sturges en The Unforgivable Clint versterkte Eastwood, met aandacht voor de kameraadschap, vriendschap en loyaliteit van de outlaw-groep die een zwak maar substantieel verschil geeft met betrekking tot het gevoel van verraad of achterdocht dat heerst in de groepsbanden van andere regisseurs. Op dezelfde manier overdenkt Tarantino het script met losse dialogen die combineren met de ontwikkeling van de thriller en de tessellatie van zwarte humor samenvoegen met de afleiding van een tragedie met het generieke gevoel van de verlossing van zijn personages, en vooral de prestaties van Jason Leigh benadrukken, die werd genomineerd voor Beste vrouwelijke bijrol. De foto van Robert Richardson is naar mijn smaak, zo niet de beste, veruit een van de beste in de Tarantino-canon, wat het gebruik van de kleuren zwart, wit en rood onderstreept, die het contrast van de berg, de vlakte, de Weide en moerassen.

Tarantino benadrukt het aantal van zijn films, en de titel herinnert de kijker eraan dat het de achtste aflevering van zijn filmaanbod is, waaraan hij beloofde 10 ansichtkaarten toe te voegen, dit is een langetermijnprentbriefkaar in zijn uitgebreide versie, die een tussenliggende bevat in de puurste stijl van de projecties waarvan we tot het einde van de vorige eeuw als een soort van twee batches konden genieten.

7. JACKIE BROWN (Jackie Brown) 1997

Persoonlijk lijkt het script van Jackie Brown prachtig, enerzijds zorgvuldig, continu en nauwkeurig, anderzijds open, dynamisch en spontaan, het is ook de enige directe aanpassing die Tarantino heeft gemaakt van een literair werk, in dit geval van de roman Rum Punch van Elmore Leonard. Met in de hoofdrol Pam Grier, Robert De Niro, Bridget Fonda, Samuel L. Jackson (winnaar van Beste Acteur van het Berlijnse Festival), Michael Keaton en de prachtige Robert Foster (Oscar-genomineerde voor Beste Mannelijke Bijrol), heeft Jackie Brown een foto van blauwachtige oker tint, typisch voor de Mexicaanse fotograaf Guillermo Navarro, die perfect de meest lineaire structuur van zijn betoog combineert in vergelijking met de banden van de andere regisseur.

Het geweld is subtieler van toon en de dialogen omvatten een aaneengeschakelde oplossing van situaties die het karakter van Grier tot het uiterste nemen, van een baan als stewardess naar het hoge risico van smokkel in een soort eindeloze cirkel of pad van geen terugkeer, en de bekering van de hoofdrolspeler van onschuldig naar delinquent om te getuigen, leidend tot de vervolging van de zaak in een strategie die geen humor verliest en diepe vragen die de nadruk leggen op complexe of controversiële kwesties. Tarantino richt zich op determinisme, racisme, evenals de aanpassing en bevestiging van taal als een aanval, verdediging en macht, waarbij identiteit als een fundamenteel element wordt beschouwd dat verder gaat dan het plot zelf.

6. GLORIA BASTARDS (Inglorious Basterds) 2009

Bastardos zonder glorie, een van de langste films van de inheemse regisseur van Tennessee, presenteert een verhalend voorstel van alternatieve fictie over een historisch feit, waarbij op literair niveau de creatieve licentie wordt ontwikkeld om te veronderstellen, interpreteren of aan te passen vanuit een reëel feit of historische fictieve gebeurtenissen uit een alternatieve situatie (het feit: de tweede wereldoorlog; de alternatieve: de klootzakken en hun missie).

Brad Pitt, Melanie Laurent en Christoph Waltz spelen de hoofdrol in deze film die met elkaar verweven verhalen samenbrengt met een tweeledig doel, wraak en gerechtigheid, of straf en wraak, en daarvoor neemt hij zijn toevlucht tot een uchronisch script over de Tweede Wereldoorlog en het nazisme . De impliciete alliantie van de personages rond de eliminatie van de nazi's of het wreken van wraak voor hun misdaden tegen de menselijkheid, biedt een uitvloeisel van onbedoelde maar effectieve medeplichtigheid, die geallieerde legersoldaten en leden van het verzet verenigt in een veerkrachtige gemeente. De verhalen bewegen langs parallelle lijnen die, zo wordt opgemerkt, zich op een kruispunt zullen bevinden van een verhalende gebeurtenis, die wordt veroorzaakt door oorzaken die fungeren als knopen of schakels, de rechtvaardigingsroeping, de belofte voor gerechtigheid en de straf voor misdaad. De regisseur presenteert dus een voorstel van verlangen naar degenen die wensen dat ze deze acties hadden uitgevoerd of waren gebeurd; morele ethiek, dubbele normen, geheime bedoelingen, manifeste verlangens, woede, indolentie en schande, doordringen de plot en verbinden niet alleen de verhalen, maar ook de doelen van een verleden dat is gebeurd, maar dat de regisseur had willen gebeuren op een andere manier, niet in de uitkomst van de gebeurtenis, maar in het streven naar gerechtigheid voor de beledigde.

De kern van de film is de bioscoop, een functie waarvan de projectie de evenementhorizon kan convergeren, waar de personages en hun respectieve missies een niveau van epiphany bereiken; Het zou kunnen worden geclassificeerd als een van de meest viscerale films van de regisseur, waar reden, vergeving of zelfgenoegzaamheid ontoelaatbaar zijn in het licht van wreedheid en smerigheid, een opzettelijke Manichese positie die, bij publieksdebat, kritiek en historiografische analyse van een fictieve positie, waarbij het opnieuw een gedurfde band is in de realisatie ervan, maar onderworpen aan de oordelen van de geschiedenis.

5. ER WAS EENS IN HOLLYWOOD (Once Upon a Time in Hollywood) 2019

Quentin Tarantino's negende film, gewaarschuwd bij de promotie van de film, als een waarschuwing dat de tiende nadert (en daarmee de zelfbeloofde pensionering van de regisseur), Er was eens in Hollywood dat ons herinnerde aan zijn titel op de band Er was een Eenmaal in Mexico, geregisseerd door de collega en vriend van regisseur Robert Rodríguez, maar zijn thema plaatsen als een verhaal dat parallel met het verhaal zelf gebeurt, zoals hij in Bastardos zonder glorie deed . Leonardo DiCaprio, Margot Robbie, Brad Pitt en Al Pacino, onder een brede poster, schitteren in deze film die briljant de historische en culturele context van 1969 plaatst, tussen psychedelia, sociale bewegingen en de komst van de eerste postmoderne visums.

Een moord en de sekte die het uitvoerden, zijn het historische motief van echt Hollywood, terwijl de plot van een acteur en een dubbel de fabel Hollywood completeren die een vrijwillige en onvrijwillige humor toont gemengd met psychose, misdaden en ideologieën convergent tussen de verschillende vormen van existentialisme, anarchie en onderwerping aan heersende systemen. Criminaliteit en mysterie zwermen in de vericuetos en wisselvalligheden van het paar gevormd door DiCaprio en Pitt - waarin Tom Cruise leek te zijn ingebed, met wie de regisseur wilde werken, wat om verschillende redenen niet gebeurde - om uit te blinken in het midden van de industrie, met zijn ups en downs, vooroordelen en uitbarstingen.

De regisseur presenteert de verschillen in zijn tijd tussen film en televisie, en de moeilijke overgang voor de toenmalige histrions om van de ene naar de andere te gaan, iets dat in de huidige context ondenkbaar lijkt, nog meer met de overvloed aan bestaande formaten, maar dat het toen en tot de jaren negentig een groot verschil maakte. De film toont een enorme Bruce Dern die fungeert als een bizarre katalysator voor medeplichtigheid en zelfgenoegzaamheid, evenals Luke Perry in zijn laatste uitvoering, evenals acterende knipogen van terugkerende acteurs uit Tarantino zoals Tim Roth, Michael Madsen of Kurt Rusell. De film, de eerste zonder zijn vorige producenten vanwege twee seksuele schandalen, werd uitgebracht tijdens het internationale filmfestival van Cannes en ontving overwegend positieve recensies; Hoewel de bekendheid van een tragische gebeurtenis kon worden beschuldigd, vallen de provocerende en suggestieve richting van de regisseur en de gemoduleerde en charismatische uitvoeringen van de hoofdrolspelers op. Het is vermeldenswaard dat het succesvolle succes ervan gegarandeerd is, maar het is de moeite waard om te weten aan welke prijzen het kan worden onderworpen, en vooral hoe het op de middellange en middellange termijn zal worden ingenomen door het publiek en de volgers van de regisseur.

Criminaliteit, Hollywood en geschiedenis zijn de kernpunten van andere klassieke films, die twee of drie van de genoemde onderwerpen combineren, verlossing, fataliteit en bestemming veroorzaakt door verschillende aaneengeschakelde situaties, zoals een constante in Tarantino, maken deel uit van Rick's inspanningen Dalton, DiCaprio, omdat hij iemand is waarbij het concept van zijn meer aandacht besteedt aan industrie, kapitaal en roem dan aan zichzelf zijn, openingen, openingen en openstaande visa achterlaten onder het mom van toeval. Er was eens in Hollywood vertelt ons uit zijn titel dat Hollywood en de ruimte-tijd die we in de film bijwonen niet meer bestaat, het was en zal niet terugkeren, zoals de tijd die de regisseur 50 jaar geleden plaatste, zijn sprookjesjaren, Zijn jeugdjaren.

4. KILL BILL THE REVENGE Vol 1 (Kill Bill V. 1) 2003

Eerste deel van zijn verhandeling over wraak, Kill Bill, gepersonifieerd door Uma Thurman in de rol van The Bride, presenteert een botte premisse uit zijn titel: kill Bill, het waarom, de oorzaken, misschien de redenen, wrok, de motieven, ze zullen een belangrijk onderdeel zijn van de structuur van het script dat ons hetzelfde vangt naar het verleden dan naar de toekomst waarmee de hoofdrolspeler zou kunnen worden geconfronteerd in het geval van het overleven van het heden en zijn vericuetos. Uitdagend, schokkend en krachtig van de visuele, Kill Bill werd onmiddellijk een referentie voor toekomstige actiefilms en een standaard voor gechoreografeerde tapes, evenals het presenteren van bloeddorstige, gewelddadige en overvolle sequenties die de Tarantino-canon in apotheose brengen. . De moordpoging van een ongeboren kind en de redenen daarvoor nemen ons mee in dit verhaal gepresenteerd in twee delen, die hoewel ze hetzelfde verhaal dienen en kunnen worden gedefinieerd als een enkele film die in twee delen wordt uitgebracht, een subtiel maar notoir verschil vertonen Het is de moeite waard om in deze decaloog te markeren of te delen dat het, net als bij al onze leveringen, aandacht besteedt aan persoonlijke observatie.

Om een ​​retrospectief te maken, genoot ik meer van het eerste deel dan het tweede, misschien vanwege het gevoel van verrassing dat de eerste viso veroorzaakte, maar ik ben van mening dat het tweede een grotere diepte van karakters heeft, en op dat uitgangspunt ontwikkel ik de secties. Naast het erkennen van de Japanse cinema van de jaren 50, is Kill Bill in zijn geheel een eerbetoon aan de karatebanden van de jaren 70, zowel Chinees als vooral uit Hong Kong, waarvan sommige met Bruce Lee en ook de anime dat ze in latere jaren de grafische industrie van Japans entertainment overspoelden; Het verwijst zelfs naar het publiek van televisieseries zoals Kung Fu, met in de hoofdrol David Carradine zelf, Bill. Deel 1 was een behoorlijk evenement voor de datum van zijn première en Violent Times zou, naast de cultus en prijzen, de status van generatietape verwerven, die verschillende latere filmmakers, films en franchises zou beïnvloeden; Noem maar John Wick, waar choreografie en muziek een definitief tweevoudig element van zijn vertelling en visuele structuur worden, en vandaar de waarde van het werk van Master Woo-Ping Yuen. In Kill Bill V. 1 vallen, naast wraak als motief en verhalende ondersteuning, samenzwering, medeplichtigheid, samenzwering, vastberadenheid en identiteit op, een uitvloeisel van emoties die zich op het scherm vertalen in wonden, bloed, uiterlijk, verergerde acties en reacties of overdreven overdreven.

De soundtrack combineert nummers van Ennio Morricone, Bernard Herrmann of Quincy Jones, en vordert terwijl The Bride vooruitgaat in de rol van zijn lijst, die de namen bevat op momenten van doelstellingen, herinnerend aan het grindhouse- genre en de bizarre inhoud ervan, evenals op zoek naar de taak om een ​​soortgelijke impact van aantrekking op het provocerende te genereren. Het is geen toeval dat Tarantino het Koreaanse Oldboy- meesterwerk van Chan-wook Park zo heeft gewaardeerd dat het juist deel uitmaakte van een trilogie over wraak.

3. KILL BILL THE REVENGE V. 2 (Kill Bill V. 2) 2004

Tweede deel van zijn verhandeling over wraak, Kill Bill V. 2 is een film die, hoewel hij een saga voltooit, zijn eigen identiteit heeft, geworteld in zijn meer dialectische profiel, door dialogen die belangrijker zijn dan de heersende actiescènes in het eerste deel, wat subtiel de laatste gebeurtenissen van het volume en de tape voorbereidt als een definitief concept, via een pad van ontmoeting en bevrijding. Je zou zelfs kunnen zeggen dat door de dialogen te analyseren, het mogelijk is om te waarschuwen dat de plot sequenties moet worden, die goed kunnen worden gefilmd door een andere regisseur, dit in het geval dat hij bevestigt dat hij na een tiende Tarantino-tape niet meer zal regisseren, wat niet ontneemt dat Schrijf verschillende scripts zoals in het begin, met de nadruk op het True Romance- script geregisseerd door wijlen Tony Scott.

Kill Bill V. 2 is een aangename filosofische waardering van compassie, transcendentie als een mogelijkheid, in wiens centrum beeft, waarheid en veronderstelling, de ontwikkeling van de plot biedt een intensere spanning dan in het oorspronkelijke volume, en Dit wordt bereikt door de regisseur zonder een beroep te doen op geweld, maar in de verwachting daarvan. Op deze manier is de laatste confrontatie een soort van operatief hoogtepunt dat na de overstroom van energie van het eerste volume, de passies kalmeert om ze te laten stromen als die bewuste bevrijding die haar hoofdpersoon zoekt, de verlichting voor de leegte. De film blijkt niet per se een wraakzang te zijn, maar ook een benadering van de onthulling van een verhaal dat gevangen zit tussen de tijd van zijn ontwikkeling, en dat niet naar het verleden gaat zoals het script doet, noch wordt zoals het aankondigt de verhalende structuur als een belofte, maar voor het heden dat, zoals we in het eerste deel aangaven, ligt in het overleven van de hoofdpersoon in het heden, ja, gemotiveerd door de walging om Bill te doden of zichzelf te verlossen. Uma Thurman, David Carradine, Lucy Liu, Michael Madsen en Daryl Hannah maken deel uit van de grote cast van de saga.

2. GEWELDIGE TIJDEN (Pulp Fiction) 1994

Een reeks verhalen met elkaar verbonden door het lot, tijden en de grillige ruimte om ze te vinden vanuit het perspectief van hun personages, maken gewelddadige tijden een buitengewone film in een moment in de geschiedenis waar geweld in de wereld gebeurt maar zich verstopt in de uitsparingen van een naoorlogse periode en de opkomst van nieuwe definiërende horizonten tussen grenzen. Te midden van deze wereldwijde debatten neemt de aandacht voor wat er gebeurt tussen de intieme verhalen de kracht aan van verhaal, uitvinding, fictie, en in die fictie van de realiteit, van geweld als een wanhopige ode van ambitie, aanpassing van rekeningen en succesvolle, gravita Tarantino die zijn meest geprezen werk en de tape aanbiedt die, zelfs vanuit zijn vintage en regressieve uiterlijk, het laatste decennium van het millennium zou kunnen definiëren.

Een postmoderne film waarvan het verhaal de niet-lineaire structuur speelt en tegelijkertijd sensorisch gestructureerd is, waarbij de wendingen en verklaringen voor de acties van de hoofdrolspelers niet gerechtvaardigd of beoordeeld zijn maar gebeuren, en wanneer ze gebeuren laten ze draaiende vermoedens over aan de kijker. Met een diverse cast, heeft Violent Times de carrière van John Travolta nieuw leven ingeblazen en op zijn beurt zijn vermogen om de dans een regel van het script te maken dat leeft, en deed het op het ritme van Uma Thurman, Samuel L. Jackson, Tim Roth, Ving Rhames en Bruce Willis, Harvey Keitel en Christopher Walken, onder anderen. Meisje, je wordt binnenkort een vrouw van Urge Overkill, positioneert zichzelf sterk als onderdeel van de soundtrack en je kunt het nooit door Chuck Berry zien in de melodie van een epische dans die de band een emblematische maakte, die erin slaagt om elke reeks een hilarische combinatie van muziek, gebaren, choreografieën, smokings, bloed, verstoorde kapsels, verraad en misdaad. Onder preludes, situaties en verwarring van de wirwar van pulp die culturele en contraculturele referenties verbindt waardoor zijn fictie erg populair werd en ook bekendheid verwierf voor de nominaties voor de Oscar Award in een van de meest competitieve jaren in de geschiedenis, Dreams of escape, Quiz Show, vier bruiloften en een begrafenis en de winnaar, tot afschuw van velen, Forrest Gump ; Echter, gewelddadige tijden verblinden op het filmfestival van Cannes en ontvingen de Gouden Palm.De film speelt met ironie uit zijn titel, die verwijst naar het hart van de realiteit die is gecreëerd en omdat de creatie er één en meerdere genereert verhalen die uiteindelijk hetzelfde zijn, en hij doet het vanuit de fictieve verbeelding van zijn cultregisseur.

1. RESERVEHONDEN (Reservoir Dogs) 1992

Topwerk voor mijn smaak van Tarantino-cinema, meesterwerk van neonoir- cinema, Reserve Dogs is een basisfilm die nieuwsgierig die categorie verwerft na het succes van Violent Times, wanneer critici en vooral het publiek de debuutopera van de regisseur opnieuw bezoeken om Begrijp de impact van wat een dergelijke mate van verbazing in de industrie heeft gegenereerd. Harvey Keitel, Tim Roth, Chris Penn, Steve Buscemi, Lawrence Tierney en Michael Madsen vormen de epische cast van een klassieke film.

Het is precies te danken aan Harvey Keitel dat deze film met een groter budget is opgenomen, door zich volledig te realiseren en investeerders aan te trekken om de band van een toen onbekende regisseur te ondersteunen. Reserve Dogs, de belichaming van de onafhankelijke bioscoop van de jaren 90, onderzoekt de plot van een buitengewoon, dynamisch, mysterieus en beslissend script, dat verwarring en duidelijkheid labelt, terwijl ze in hun eigen privacy de anonieme identiteit bewaren van degenen die ze beschouwen, er is iemand die heeft opgezegd de klap van de criminelen door de criminelen zelf, en daarom zijn de feiten niet zoals verwacht, de meester-staatsgreep. De criminele groep wordt geïdentificeerd zonder elkaar te kennen door de benaming ervan in kleuren te catalogiseren, een symboliek die goed geschikt is voor het kruisen van verloren kogels en een contract dat op zijn beurt speelt met de niet-lineaire vooruitgang van het script . Rond en rond, analepsis, ellips, parafrasering, flashbacks, brengen het publiek tot een limiet dat het geweld en het gevoel van verstikking en overleving communiceert dat de banden elimineert van degenen die wachten, zoals in De vernietigende engel van Luis Buñuel, in een houd de uitkomst vast.

Met een sterke invloed van Stanley Kubrick's The Killing, gebruikt Tarantino zijn arsenaal aan visuele en verhalende technieken die hetzelfde spelen met het script als met het gebruik van close-up van zowel personages als dingen die op gebeurtenissen wachten of voorafgaan, alsof hij een strijd, en tempert de ontdekking van meer knooppunten voor het publiek terwijl we het verhaal ingaan en ons identificeren met de personages totdat we ze leren kennen, wat op dezelfde manier gebeurt. Het nemen van Pelham 123 door Joseph Sargent, The Wild Bunch door Sam Peckinpah, zijn enkele van de films die in je op kunnen komen door de symbolische benaming van de personages, door hun staat van alliantie en tragedie, of door geweld zoals een bron, evenals de titel die afkomstig is van Le revoir les enfants, door Louis Malle.

De zwarte humor die kenmerkend zal zijn voor Tarantino en de stipte referenties uit de taal lijken vloeiend in die mate dat de grenssituatie wordt weergegeven in een soort onverbiddelijke oplossing van de urgentie. Reserve Dogs is vet, helder en vol energie, een van de beste films van de jaren 90 en onafhankelijke films van de Verenigde Staten en is naar mijn smaak, samen met Violent Times, het beste aanbod van de Tarantino-canon.

* Schrijver en documentairemaker. Beschouwd als een van de toonaangevende exponenten van de Spaanse Amerikaanse getuigenisliteratuur. Hij is de auteur van de romans El Surco, El Ítamo en de gedichten Navigate Without Oars en Cardinal Points, die betrekking hebben op universele migratie en zijn bestudeerd in verschillende universiteiten wereldwijd . Hij regisseerde de documentaires The Human Voice and Rest Day . Hij is hoofdredacteur van Filmakersmovie.com.